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Sunday, May 17, 2015

007: CASINO ROYALE – QUANTUM OF SOLACE – SKYFALL




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Nunca he sido muy fan de James Bond. He visto algunos pedazos de películas en la tele, fui al cine a ver Tomorrow never dies con un amigo y dormí media película. Sé que se supone que a los nerds nos tiene que gustar James Bond de forma acrítica, pero se supone que a los nerds nos tienen que gustar muchas cosas de forma acrítica, lo que está muy alejado de la realidad.
Estas tres películas me gustaron. Las miré en un lapso de veinticuatro horas: una noche y la mañana y la tarde siguiente. De las dos primeras me sorprendió la poca cantidad de diálogo en relación al metraje total: muchas escenas de acción significan pocas escenas de diálogo, como es lógico suponer. No es como en los comics, donde los contendientes pueden recitar “El pueblo” de Neruda en el tiempo en que tiran una patada voladora.
Había escuchado críticas negativas de personas que decían que el James Bond de Daniel Craig era una especie de Terminator imparable y eso le quitaba la gracia al personaje. Disiento enérgicamente. Si bien el Bond de Craig es más duro que el acero y tiene algunas nociones de parkour, por lo que las persecuciones se parecen mucho a esa performance del corredor de Fuerza Bruta, lo cierto es que el personaje está muy humanizado. Tiene pasado, y eso es algo nuevo. Pasado de verdad: fue hijo, tuvo madre y padre, tuvo infancia, traumas infantiles. “Los huérfanos son los mejores reclutas” le dice M. El personaje no sólo recuerda para contarnos que ese que acaba de matar el villano era su mejor amigo desde las vacaciones del año pasado, sino que hay toda una densidad de recuerdos muy grande que lo alejan del Bond clásico, que si bien podía tener mejores modales y mayor expresividad facial, era plano como personaje, una verdadera máquina de matar sin nada a lo que valiera la pena llamar pasado. En ese sentido es absolutamente revelador el título del tercer film, Skyfall, que en las películas anteriores sería el nombre de un satélite espía pirateado por los rusos, pero acá no.
No voy a llegar al extremo de decir que el personaje evoluciona como tal, porque empieza siendo Bond y termina siendo Bond, pero al menos siente el paso del tiempo, envejece, tiene secuelas de sus heridas, y es muy consciente de que es una herramienta mortal al servicio de un sistema político, lo que como toma de autoconsciencia no está mal. Nada de buenos contra malos ni de seguridad nacional: política. Nada de control o búsqueda del bien mayor: venganza. Ganarse el sueldo o pegarle cinco tiros a quien te jodió la vida. Reacciones humanas perfectamente comprensibles que le dan verosimilitud al personaje de una forma, al menos para mí, muy bienvenida.

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Friday, April 03, 2015

Comics y películas - Colección Salvat de Novelas Gráficas Marvel





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Es innegable que para lo no iniciados lo más interesante de las historietas (o lo único interesante tal vez) es que sirven como base para películas. Por eso no es extrañar que los primeros números del coleccionable de “novelas gráficas” de Salvat presenten personajes que han sido llevados al cine o estén directamente relacionados con los argumentos de las películas de los estudios Marvel:

Spiderman: regreso a los orígenes: acerca de Spiderman se han hecho cinco películas, aunque ninguna tiene nada que ver con la saga de Morlun y Ezequiel. Es una buena saga, bien escrita por Straczinsky y dibujada por un Romita Jr. empezando su descenso pero aún cerca de la cima de su calidad como artista. Se nota que los dos le tienen cariño al personaje y eso incide siempre de forma positiva en el resultado.

Astonishing X-Men: Dotados y X-Men: Días del futuro pasado: Dotados es la base de X3: La batalla final, aunque la película no le hace justicia porque los AXM de Wedon y Cassaday es una de las mejores etapas de los mutantes desde que los crearon hasta hoy. La película tiene también mucho de la Saga del Fénix Oscuro, que también va a ser publicada dentro de la colección. Días del futuro pasado es la base de, justamente, Días del futuro pasado, aunque en la película cambiaron el protagonismo de Kitty Pride por el de Wolverine por razones de marketing.

Avengers: Desunidos y Avengers: El enfrentamiento: ninguna de las dos tiene nada que ver con la película de los Avengers. En enfrentamiento zafa, pero Desunidos es una de las peores cosas que he leído en mi vida. Si querían publicar la saga en la que se basa la película deberían haber elegido la primera miniserie de los Ultimates (que se supone van a publicar más adelante) pero supongo que querían empezar con los Avengers de la tierra 616.

Iron Man: Extremis: la base de Iron-Man 3, mezclada con otras sagas que nunca he leído porque la verdad es que no leí mucho de Iron Man. No era un personaje que me pareciera muy atractivo antes de ser llevado al cine. Tengo pocas historias suyas y ninguna que me parezca descollante.

Capitán América: El Soldado de Invierno I y II: la base de la segunda película del Capitán América, mezclada también con sagas setenteras que nunca he leído pero de las que tengo referencias, como El Imperio Secreto, La Caída de Hydra o cosas así. Está muy bien escrita y aceptablemente dibujada.

Thor: Renacido: hay dos películas de Thor pero ninguna tiene nada que ver con esta saga. Es una de las cosas más estas que he leído, un ejemplo de narración descomprimida que pondría nervioso incluso a Brian Michael Bendis. Creo que tardé cuarenta minutos en leer todo el tomo, y lo único realmente bueno es la charla/enfrentamiento con Iron-Man. Los dibujos de Oliver Coipel, muy buenos, eso sí.

Hulk: Gritos silenciosos: es la base de la película de Hulk de Ang Lee, que a nadie le gusta pero yo la recontra banco como un valiente esfuerzo de hacer una película de superhéroes con algo de profundidad psiclógica. Además, la pantalla dividida me parece una manera inteligente de emular los cuadros de historieta en el cine. El tomo es bueno, pero tratándose del Hulk de Peter David me quedo mil veces con su etapa junto a Gary Frank.

Wolverine: es la base de la película The Wolverine (o Wolverine Inmortal), aunque el comic, de una forma nada sorprendente, es diez veces mejor que la película.

Daredevil: Renacido: la verdad, no me acuerdo de qué se trata la película de Daredevil y no pienso volver a verla para refrescarme la memoria, pero aparece el Kingpin y Elektra así que debe estar vagamente inspirada en la etapa de Frank Miller.

No sé qué tan inteligente es eso, qué cantidad de lectores puedan captar con esa estrategia, porque los espectadores que no son freaks no tienen la menor idea de qué saga de historietas se han sacado los argumentos de las películas, y a los que leemos comics nos importa que la historia y el arte sean buenos, no que las sagas hayan sido llevadas a la pantalla (aunque si la película es buena, mejor, pero no cambia la percepción de la obra original). Sin embargo, sirva o no, se trata de una clara estrategia de marketing que apunta a aquello a lo que siempre apunta el marketing: el nombre, la marca. Para los lectores de comic lo importante, la garantía de calidad, suele ser el autor, pero en el mundo del marketing la estrategia principal es la creación y el refuerzo de la marca registrada y los productos terminan vendiéndose no por su calidad sino por el peso de su nombre.


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Tuesday, January 20, 2015

PREDESTINATIÓN – de los hermanos Spierig


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Una película de ciencia-ficción que puede disfrutar cualquiera a condición de que no sea un fanático de la ciencia-ficción. O sea, desde mi punto de vista como fanático, un despropósito.

La película está bien filmada, tiene buenas actuaciones, aunque el maquillaje falla respecto a un personaje que debe verse de forma ambigua y no deja de verse como una mujer.

No están presentes los efectos especiales que uno tal vez espera de una película de viajes en el tiempo (el puente Einstein-Rosen, el círculo acuoso utilizado en Stargate y en muchas películas más desde entonces, el túnel por el cual circula la TARDIS), sino que los desplazamientos son automáticos, a la manera de un ilusionista: ahora lo ves, ahora no lo vez... y un poco de viento, eso es todo.

El problema no está en ninguno de los aspectos técnicos de la película, tampoco en la morosidad con que está filmada, la lentitud del relato. En realidad, no hay ningún problema que pueda ser definido como tal. El problema es mío, y de cualquiera que haya leído mucha ciencia-ficción e investigado acerca del género.

Dicen que la ignorancia es felicidad, y debe agregarse que la ignorancia permite también el disfrute y la sorpresa. Mucho más en mi caso porque, tratándose de películas, le presto muy poca atención a los aspectos técnicos o la calidad actoral y me centro casi exclusivamente en el argumento; entonces, para mí (y para muchos otros, creo) ignorar el argumento es vital, cosa que en este caso fue imposible porque los hermanos Spierig tomaron una de las dos o tres paradojas más conocidas acerca de la teoría de los viajes temporales (si no es, directamente, la más conocida; popularizada además a través de un cuento de Robert Heinlein que el film toma como inspiración directa) y la transformaron en un relato cinematográfico super lineal. Todo lo lineal que puede ser un relato en el que se la pasan saltando adelante y atrás en el tiempo, se entiende.

Antes de los diez minutos de metraje ya sabía de qué iba la película. Con el paso del tiempo iba creciendo la seguridad de que me estaban contando la paradoja sin ningún agregado, sin ningún plus que justificara seguir mirando. Entonces busqué críticas de la película en internet. No destripaban el argumento pero me sirvieron para confirmar mis sospechas. Sin embargo, me quedaba todavía la esperanza de la vuelta de tuerca final, de que hubiesen tomado la paradoja como punto de partida para ir más allá. Y empecé a repetir en mi mente: “Si no hay una vuelta de tuerca me voy a enojar mucho... si no hay una vuelta de tuerca me voy a enojar mucho...”. Y al final me enojé mucho.


Entonces, la recomendación es simple: si no sabés nada de ciencia-ficción, es muy probable que la película te vuele la cabeza. Si sos un especialista en el género, o has leído una buena cantidad de novelas, relatos o ensayos sobre viajes en el tiempo, no te le acerques porque vas a salir decepcionado, o al menos vacío, sin experimentar ni descubrir nada nuevo. Y lo peor que te puede pasar cuando entrás en contacto con cualquier forma de arte es salir tal cual como entraste, sin que nada cambie adentro tuyo, sin tener siquiera una nueva idea, una nueva sensación, nada.

Wednesday, January 14, 2015

Teeneage Mutant Ninja Turtles (2014) de Jonathan Liebesman.

La película es malísima.

La fui a ver porque mi hija quería saber “cómo se ven las Tortugas en el mundo real”, tomando como “realidad” lo opuesto a “animación”. Mi hija tiene 9 años, todavía no leyó a Platón ni a Phillip K. Dick y ni vio Matrix, así que está bien que use la categoría de realidad con esa soltura y esa ingenuidad. El mundo de los chicos es algo irrecuperable y yo pensaba “¿Cómo quiere ver a las Tortugas en el mundo real, no vio las películas que hicieron en los noventas?”. Y no, por supuesto que no, porque en los noventas ella no era ni ese proverbial destello en el ojo de los padres del que hablan. Yo tenía mi carpeta de primer año llena de stickers (que en esa época se llamaban calcomanías) de las Tortugas, de la primera serie de dibujos animados, cosa que no me imagino que pase con los adolescentes de hoy en día. Y no sólo se trata de que la relevancia social de los personajes pueda haberse agotado con el paso del tiempo sino que en esa época eran una novedad pero a esta altura son un clásico y a los clásicos se les pide ciertas cosas, como calidad y relevancia.

Lo único que rescato son los cambios visuales, que no sean las cuatro iguales, que las dimensiones físicas, las caparazones y los adornos que usan a la forma de vestido sean diferentes. Es un rasgo de caracterización que bien podrían haber extendido a los diálogos y a las personalidades, pero se ve que los animadores trabajaron más que los guionistas.

Los cambios argumentales son ridículos y me hacen recordar algo que surgió en la época del Batman de Tim Burton, donde se mostraba que el Joker, de joven, había sido el asesino de los padres de Bruce Wayne. Recuerdo haber leído en algún lado reacciones contra esa manía de hacer que el villano tuviera un papel importante en la génesis del héroe como si el sentido de la historia surgiera de cerrar un círculo cuando, en realidad, el sentido surge de tratar un tema que resuene en el público, tenga o no que ver con el origen del héroe. Decían en esa época que, si se hiciera otra película de Superman, iban a encontrar la forma de hacer que Lex Luthor fuera el responsable de la destrucción de Kripton, por ridícula que fuera esa forma... y tal vez por eso en Man of Steel no aparece Luthor y el villano es Zod que, si bien no hizo explotar Kripton, sí asesina a Jor-El, valga una cosa por la otra.

Pero, volviendo al sentido, y haciendo referencia a un texto que me causa reacciones negativas por motivos personales, Ricardo Piglia dice que en un cuento debe llevar dos historias, aunque una sea como una corriente subterránea que emerge a la superficie recién la final. No sé si estoy tan de acuerdo con eso, pero sí creo que en una obra de arte narrativa (cuento, novela, serie, película, historieta) debe haber dos componentes: la trama y el sentido profundo, lo que se cuenta y lo que se quiere transmitir, las peripecias y (en cierta forma, aunque no es tan así) la moraleja. Y esta versión de las Tortugas Ninja no tiene nada debajo, nada importante que decir. Lo peor de la película es eso: que no tiene un eje, un centro, una idea rectora. No va a ningún lado, pero tampoco lo pretende, así que uno no sabe si es impericia o fidelidad ciega a lo que en un principio se pretendió hacer. El Doctor Who dice que no todo el que vaga está perdido... bueno, esta película sí.


Si es por recomendar algo, recomiendo la película de animación por computadora que dirigió en el 2007 Kevin Munroe: los personajes humanos están diseñados de una forma superangulosa que borda lo grotesco, pero al menos tiene un tema central (la familia) que le da unidad y sentido. Porque ese es el quid, eso es lo que se le pide a una obra de arte y aunque una película de las Tortugas Ninja apunte al mero entretenimiento sigue siendo cine, y el cine es, a pesar de todo, un arte, así que no está mal pedirle lo mismo que le pedirías a cualquier otra forma de arte.

Guardians of the Galaxy – de James Gunn (2014)

Lo difícil de escribir una reseña acera de esta película no es recomendarla sino estar a la altura, porque para mí Guardians of the Galaxy fue una fiesta: una fiesta visual, una fiesta de humor, una fiesta de acción copada, con ideas, no los típicos tiros y rotura de huesos de las películas de acción convencionales.
Lo que, creo, jugó más a favor de la película fue mi desconocimiento casi absoluto de los personajes. De hecho, colecciono historietas desde los catorce años, a esta altura debo tener algo así como nuevemil (decenas más, decenas menos) y si tengo cinco revistas donde aparezca este grupo es demasiado.
Me refiero a que no son los superhéroes onmipresentes, no son iconos. Y eso es positivo porque le da al director más espacio y sobre todo más permiso para jugar con su interpretación. Todos creemos conocer a la perfección a los iconos, aunque en realidad no sea así, y eso genera un sentimiento de apropiación, de pertenencia, de “yo sé quién es y cómo actúa tal personaje y por eso me jode que se comporte de una forma distinta a la que imagino en mi cabeza”. Avengers, por ejemplo, fue una película simpática, graciosa, con momento cómicos, pero no una comedia hecha y derecha. Supongo que si Avengers hubiera sido claramente una comedia de acción de la forma en que los es Guardians of the Galaxy, medio mundo hubiera puesto el grito en el cielo porque, en cierta forma, con esos personajes no se jode, son de todos, cualquiera que los conozca los siente como propios.

La película es tan épica como debería serlo cualquier película de superhéroes y cualquier episodio de una serie de superhéroes (salvo, claro, que por algún motivo se trate de un intermedio introspectivo). Es incluso más épica que Avengers, supongo que por la escala: todo es cósmico y gigantesco. Eso le quita un poco de espacio a la caracterización, los personajes son bastante arquetípicos, pero tienen la complejidad justa para una historia de este estilo.

Hay un diseño de producción soberbio: las naves, los vestidos, los lugares en los que transcurre la acción, todo está super cuidado, es muy reconocible y funcional. Hay detalles excelentes, como el diseño de las naves de los Nova Corps, que tienen la forma de la estrella que es el símbolo de Nova, personaje que al final no llegó a aparecer en la película.

Con respecto a la música, tal vez el componente al que más relevancia le han dado las críticas, por un lado me gustó mucho el rol central del “Awesome Mix 1” en formato cassette, pero por el otro me quitó la idea de reivindicar ese formato en una novela, porque va a quedar como una copia. Lo he dicho muchas veces: un escritor es un tipo al que le roban las ideas antes de que se le ocurran, o al menos antes de que pueda llevarlas al papel.
Mi hija vio por primera un cassette en la pantalla del cine el día del estreno. Después le mostré algunos que todavía tengo, de cuando era chico, en la casa de mis viejos, y creo que todavía no capta del todo la idea de que de ahí salía música. Más allá de la diferencia generacional, debería parecernos un milagro que salga música de cualquier aparato, pero ese es otro tema.

Como protagonistas, tenemos a un Chris Platt que he visto antes solamente en Her, un par de personajes animados con voces famosas que ponen el humor y el desenfreno (Rocket Racoon) y la ternura (Groot), y una Zoe Saldaña abonada a las películas de ciencia-ficción y basadas en comics (Star Trek, The losers, Avatar), lo que viene siendo bastante común: por lo general, el actor que participa en una película de estos géneros lo hace en dos, tres, cuatro, hacia el infinito y más allá, y no creo que lo hagan por la guita sino porque estos films tienen otra vibración, otra relevancia, no dentro de lo que puede denominarse la alta cultura, claro, pero eso incluso puede ser el mayor aliciente. La actitud, citando al gran filósofo de nuestro tiempo Milhouse Van Houten, puede ser: “El hecho de que los intelectuales lo critiquen me hace desearlo más”.


Los villanos están bastante bien, y suma también la aparición de Karen Gillian, posiblemente la companion más entrañable y extrañada del Doctor Who desde que se renumeró la serie, de Eccleston para acá, y que ahora, después de salvar el universo media docena de veces en la BBC, va a hacer de pelirroja tonta en una sitcom, tentada por la tv estadounidense. Para que después digan que no es posible venderle el alma al diablo.

Godzilla (2014) de Garreth Edwards

La consigna parece haber sido: que no se vea un carajo así no se nota que el monstruo es un dinosaurio gordito con púas que brillan, como la versión heavy y jodida de Barney.
La Película empieza bastante bien, con conflictos humanos que no por ser melodramáticos están mal expuestos. De hecho al principio te importa lo que les pasa a los personajes, cosa que desde la mitad de la película en adelante ya no ocurre: cuando deja de ser una película acerca de personas para convertirse en una película de monstruos contra el ejército, pierde todo interés y cae en la repetición y el bostezo.
Las actuaciones son bastante creíbles, salvo por la esposa y el hijo del protagonista (Aaron Taylor-Johnson, Kick-Ass y, próximamente, Quicksilver en Avengers 2), que pretenden ser básicamente el anclaje emocional del personaje pero no pasan de resortes argumentales un poco molestos y por los que nunca te preocupás en realidad.

Los efectos especiales están bastante bien llevados, y la historia pretende ser creíble sin caer en la persecución burda y descerebrada de la película de Roland Emmerich de los noventas, pero el problema es precisamente ese: Godzilla es en sí un personaje ridículo, un tipo vestido de dinosaurio radioactivo que destroza a patadas y pisotones una ciudad miniatura de cartón. No hay más que eso, no lo podés reinventar ni modificar. Te cabe así o no te cabe. Así que esperemos que sea la última versión yanqui de Godzilla y nos dejemos de sufrir.

Thursday, August 22, 2013

Últimas Películas



Star Trek Into Darkness – de J.J.Abraham

He leído varias crítica acerca de esta película y la cuestión principal parece ser su relación con la anterior: si es mejor, peor o igual de buena que la Star Trek que recomenzó todo. Mi opinión es que están al mismo nivel de entretenimiento, y que funcionan también en la medida en que el espectador conoce lo que debería pasar (y de hecho pasó en la línea temporal original) y que en estas películas es modificado, alterado, llevado por otros caminos.
Yo, la verdad, conozco Star Trek II, La ira de Khan, más por referencias que de forma directa. He visto partes de la película pero nunca la vi entera. Y, por supuesto, he visto y leído parodias y homenajes en miles de lugares, y he leído la sinopsis varias veces, así que sé qué es lo que pasa en el film porque forma parte de mi cultura básica nerd y por eso disfruté las conexiones, a veces sutiles, a veces contundentes, pero la mayoría de las veces explicadas en misma trama o en los diálogos, por lo que no pueden haber pasado desapercibidas para nadie.
La película es muy buena, tiene un ritmo envidiable, mucha acción, buenas actuaciones y una construcción acertada de los personajes, que terminan siendo absolutamente queribles. Lástima por Anton Yelchin, que no hace casi nada y además pierde la particularidad que tiene en Star Trek de ser un genio adolescente porque nunca hacen referencia a eso, que pasa por ser la característica que lo hace destacarse del resto. En contrapartida, todos los demás personajes que vienen de la serie original tienen más diálogo y más tiempo en pantalla que en la película anterior, esta vez Scotty realmente se ve y suena como Scotty y la excusa para hacer aparecer a Leonard Nimoy es buenísima: pura lógica.

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Mirror Mirrorr – de Trsem Singh

Me dejó patidifuso. Es tierna, es graciosa, es colorida, es incoherente, es feminista, es autoconsciente, es confusa, es oscura, es ridícula. Todo eso por partes. No la ligué del todo hasta que al final empezó el númerito musical y vi el nombre del director, y entonces se encendió en mi consciencia un cartel de neón que decía: Bollywood!!!
Los hindúes son así, qué se le va a hacer.
¿La recomiendo? No sé, la verdad. Si sos una chica de entre 13 y 20 años y no hay nada más que ver en la tele, capaz.
Lo único que realmente me pareció un hallazgo es la idea de que la reina obsesionada por la belleza expulse del reino a los enanos porque los considera feos. Que yo sepa, eso no está en el cuento original y es de una lógica y una elegancia impecables.

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The Wolverine

No tengo idea porque le pusieron Wolverine Inmortal. Incluso debería ser al revés, porque el chiste del argumento está precisamente en que por un tiempo su factor de curación se va, puede ser herido y, por lo que sabemos, morir.
Me sirvió para darme cuenta de que he acentuado mal todos los nombres japonenes que he leído en comics de los X-Men desde los 14 años. Al parecer, la japonesa es una lengua con predominancia de palabras esdrújulas (esa es la conclusión que saco así, a vuelo de pájaro).
La Mariko fílmica es demasiado hermosa y demasiado joven comparada con su contrapartida en el comic, que fue dibujada por Frank Miller, Paul Smith y todos los que los siguieron como una cuarentona cachetona y no cómo la veinteañera de rasgos finos que aparece en la película. Tampoco es que me esté quejando.
Pasa un poco como en Star Trek: conocer la historia original sólo sirve si disfrutás las desviaciones, pero creo que, en este caso, si no tenés idea de nada es incluso mejor.

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Metegol – de Juan José Campanella

Fui a verla sin ganas. Y la primera parte, el primer acto, digamos, todas mis malas perspectivas estaban fundadas. Todo muy trillado, naif y tirado de los pelos, personajes sin vida, arquetipos que servían para apoyar sobre ellos la trama. Pero cuando los muñequitos de metegol cobran vida la película hace exactamente lo mismo.
Es cierto lo que dicen, que no es necesario que te guste el fútbol para que te guste la película. De hecho a mí no me gusta el fútbol y me gustó la película. Porque lo que importan son los chistes y muchos de ellos se hacen a costa de fútbol, no sólo a partir de sus idiosincrasias. Y los muñequitos sí, son arquetipos, pero ¿qué otra cosa podés esperar de unos muñequitos? Ese el chiste: el cliché queda mal cuando se lo aplica a seres humanos, pero aplicado a cosas que fueron hechas para ser de cierta manera y de una sola manera, funciona muy pero muy bien.
Recomendable casi a un 100%. Salvo ese primer acto, algunos chistes demasiado gruesos para mi gusto y el personaje femenino, cuyos parlamentos se basan en repetir cuatro o cinco veces la misma frase o el mismo monosílabo, la película es un golazo (cuac!).

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Pacific Rim – de Guillermo del Toro

Esperaba más. No es mala película pero yo esperaba más.
Leí por ahí que su principal cualidad es entregar nada más ni nada menos de que lo ofrece: robots gigantes contra monstruos gigantes. Pero, siendo un afano descarado a Evangelion que es, forzosamente se siente la falta de profundidad, de metafísica, de contenido simbólico o alegórico. Lo del lazo neuronal y compartir los recuerdos con el compañero piloto no alcanza, es trillado y melodramático o, como mínimo, no está bien aprovechado.
No me gustaron para nada los monstruos flúo. A lo mejor en 3D quedaban mejor, pero a mí me parecieron ridículos. Y, sobre todo, hubiese preferido que fueran animales instintivos atacando para comer o defendiendo su territorio, no clones aliens del espacio exterior creados por una raza inteligente. Los esperaba bien lovecraftianos, bien primordiales. Pero eso suele pasar cuando esperás cosas: terminás decepcionado.
Espero que en la segunda parte haga una de dos cosas: o que le agregan capas de significado o que reduzcan las escenas de interacción humana al mínimo y nos den dos horas de peleas robóticas sin respiro.

Sunday, June 16, 2013

Man Of Steel - de Zach Snyder






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Todo bien con la guerra civil antes de la destrucción de Kripton, con el Kripton esteril y macánico (tomados de Wold of Kripton y The Man os Steel de Byrne), todo bien con que Lios Lane descubra todo en un ratito, todo bien con el Perry White negro, todo bien con el traje alienígena, todo bien con que los kriptonianos hayan venido antes a la Tierra, todo bien con que Metrópolis queda reducida a escombros, todo bien con las peleas interminables, pero SU-PER-MAN NO MA-TA!!!!!
Podés reinterpretar, actualizar y aggiornar todo lo que quieras, pero no podés cagarte tan completamente en la esencia de un personaje.Claro que, en una película norteamericana, después del show de la muerte de Bin Laden hasta Superman tiene que matar para ser un digno yanky post-Patriot Act.
Matar no es resolver un problema, es cortar el problema de raiz para no tomarte el tiempo de pensar como resolverlo. Y a mí, llámenme pelotudo infantiloide, pero veinitún años de leer comics de superhéroes me enseñaron eso.


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Tuesday, July 31, 2012

Va de películas


Como en estos últimos meses he leído muy poco, casi nada que no sea lo que me piden en la universidad, no hay mucho para comentar y criticar, pero he estado viendo muchas películas. Hago un recuento rápido:

50/50
Buenísima, una de las dos o tres mejores películas que vi en lo que va del año. Joseph-Gordon Levitt y Seth Rogen son una garantía (algún día voy a hablar de las pocas comedias que me gustan, un par de ellas con Seth Rogen). El guión es muy bueno y me hace acordar a lo que estoy estudiando en Literatura Española porque no es una tragedia ni una comedia, es una tragicomedia en toda regla, mezcla de ambas cosas (como diría Fernando de Rojas), o un retrato de lo que sucede en la vida misma (como diría Lope de Vega).
Párrafo aparte (por eso cambio de párrafo) para Anna Kendrick, que hace un personaje adorable en el sentido absoluto de la palabra. Ya a mitad de película lo único que te preguntás es si tendrá una hermana, porque querés que se quede con Joseph-Gordon Levitt pero al mismo tiempo querés una igualita para vos.
Es la historia de un chico de 27 años a quien le diagnostican cáncer, un cáncer jodido. Y te reís a carcajadas la mitad de la película. Lo dicho: una tragicomedia en toda regla.

Atando cabos (The shipping news)
Película rara. La vi en tres partes, cuando llegaba a la mañana del laburo. La tengo hace años pero nunca la había visto hasta ahora. Lo más parecido a una definición que puedo dar, a una de esas mezclas hollywoodenses que definen una trama uniendo dos conceptos (tal cosa meets tal otra) sería: Cien años de soledad en Alaska.
Acá también hay actores que son garantía de calidad: Kevin Spacey, Julianne Moore, Pete Posthelewite. Está Judi Dench, pero con Judi Dench me pasa algo raro: cuando la veo se me aparece en la mente la reina de Inglaterra de Shakespeare Apasionado y no puedo sacarmela de la cabeza, no le creo otro papel. No debe pasarle a todo el mundo, porque la señora ha hecho mil películas después de esa, pero a mí me la arruinó como actriz.

John Carter, entre dos mundos
Buenos efectos especiales. Buenas actuaciones; no descollantes, pero tampoco es para vomitar. Un par de conceptos copados. Pero muy dispersa, muy “en el aire”, o sea, sin una compenetración real con los personajes, a nivel humano, lo que provoca que, con tanto discurso explciativo, tanta referencia a ciudades marcianas con nombres raros y gobernantes con nombres raros peleándose entre sí, te lleve al borde de la falta total de interés.
Dos momentos copados: el final, que me hizo acordar mucho a Haz que el tiempo se detenga, película romántica de los 80s con Christopher Reeve, más conocido como el mejor Superman del cine (aunque en ese caso la amada estaba en el pasado y no en otro planeta); y cuando John Carter recuerda la muerte de su esposa e hija mientras usa esa rabia para destrozar un ejército marciano (aunque uno se pregunta para qué tanto recuerdo si al final se va a quedar con Dejah Toris).

Sherlock Holmes, Juego de sombras
Sigue la regla básica de las secuelas: más. Más personajes, más acción, más tiros, un plan maligno más ambicioso. Y, por desgracia, más humor. Es como Arma mortal 4, donde los chistes opacaban por completo a la acción. Y eso no me gusta mucho. Parece como si el argumento, los enigmas, todo, fueran meras excusas para mechar chistes. Y no demasiado buenos. El único “más” que le faltó a Guy Ritchie fue más efectividad a la hora de hacer reír, si es que lo que pretendió fue hacer una comedia. Y sino, debería haber bajado un cambio con el humor.
Para rescatar: muy buen uso del pensamiento anticipado de Holmes, que se mostraba un par de veces en la primera película. Acá se hace lo que se debe hacer en estos casos, cuando la fórmula ya está probada: torcerla, modificarla, mostrar otras aristas. Dos de los mejores momentos de la película se dan cuando sucede precisamente eso.
Jude Law la descose, y Robert Downey Jr. demuestra que ya no le queda dignidad por perder en lo que se refiere a compenetrarse con un personaje. Eso sí: el villano anterior, interpretado por Mark Strong, tenía diez veces más personalidad que este Moriarty. Una pena.


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Saturday, July 28, 2012

Batman: El caballero de la noche asciende - de Christopher Nolan


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Acabo de ver el cierre de la trilogía de Batman de Christopher Nolan.
Me emocionó a todos los niveles imaginables.
Estuve a punto de llorar un par de veces, pero ni de tristeza ni de felicidad sino de emoción.
Dudo que alguien que no ame a la idea del héroe (el super- es un agregado) lo entienda, pero igual les puede parecer una muy buena película.

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Saturday, July 21, 2012

Anonymous – (o la redención) de Roland Emmerich


Shakespeare da para mucho. Por lo menos da para ser el tema central de dos de mis películas favoritas (ésta de la cual hablo y Shakespeare in love, o Shakespeare apasionado, como la tradujeron en Argentina) y es uno de los personajes recurrentes en uno de mis comics favoritos (Sandman). Y todos tratan más o menos el mismo tema: quién era Shakespeare, de dónde sacaba sus ideas y por qué un día dejo de escribir y volvió a su pueblo natal a vivir en el anonimato y morir.
Shakespeare es en sí mismo una paradoja: un vacío de datos biográficos sustentado en la masa más apabullante de genialidad literaria que se pueda imaginar. Shakespeare es un poco como Borges en el sentido de que casi todos saben quien es pero casi nadie lo leyó, y también es un poco como Borges porque leerlo es una mezcla de felicidad estética absoluta mezclada con la pena y la rabia de saberse incapaz de llegar nunca a esas alturas, a esos niveles de virtuosismo y a esa posibilidad de maravillar sólo con palabras. Y algo de esa sensación se expresa en la película, representada por el coro de escritores que, en el teatro, observan sus obras y las comentan.
La teoría de que el autor de las obras que se le endilgan a Shakespeare fue un noble, un erudito, es conocida y se presenta a pocos segundo de iniciado el metraje, así que no estoy destripando la trama ni adelantando sorpresas. Pero el guión da un par de giros más que entran en el terreno del melodrama y llevan la historia a lugares insospechados que es mejor preservar. Es un guión inteligente y similar a un rompecabezas, que entrelaza la política, el romance, la mera venganza por odios antiguos, el adulterio, las mentiras y secretos, y se debe estar bastante atento a la hora de verla para poder relacionar todo a la primera.
Después de melodramas de ciencia ficción (Stargate, Día de la Independencia), melodramas patrioteros yankis (El patriota) y melodramas obre el fin y el principio de la humanidad (10.000 AC, 2012, El día después de mañana), Roland Emmerich ha hecho por fin algo que requiere un poco más de atención, en varias acepciones de la palabra. La reconstrucción de época es maravillosa, aunque falla en los planos abiertos de las ciudades y castillos (se ve a la legua que es CGI) y en la única escena de “acción”, donde los varios fogonazos de mosquete parecen salidos de una película de tiroteos militares de Michael Bay, pero en general es un film de lo más digno.
Lo que sí es extraño y descoloca es la ambientación contemporánea del principio y el final: la película abre y cierra con las palabras de un actor/especialista o lo que sea, declamando acerca de la vida de Shakespeare dentro de un teatro. No es que esté mal. Al principio funciona. Al final es lo más anticlimático que he visto en mi vida, no tanto por las palabras de hombre sino porque la película, cabalmente, cierra con el público poniéndose de pie y yéndose, lo que queda horrible. Y el otro detalle negativo de ese marco contemporáneo es que no se sostiene a lo largo del relato: la película empieza y termina así pero en el transcurso de la película no se vuelve a tomar contacto con ese plano temporal moderno, no vuelve a aparecer, no hay nada, ni una voz en off siquiera, que nos  recuerde que supuestamente estamos viendo una representación mediatizada por la voz de un tipo canoso y barbudo con pinta de profesor de literatura jubilado que miraba con mayor atención a sus alumnos que a sus alumnas.
Pese a sus errores, el film suma muchos puntos por el tema, por tratarse de Shakespeare, y por dar una explicación inteligente de quién pudo haber sido y un pantallazo de sus obras y de la reacción del público ante ellas.
Shakespeare es un grande. También es algo así como un cliché y una marca registrada, pero no hay que dejar que eso empañe su grandeza. Quien lo lea va a conocer la diferencia entre un autor que merece su gloria y otro que la compró con favores o fue elevado por simpatizantes o amigotes con poder para imponer un canon.
Léanlo. Es imposible que se arrepientan.



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Tuesday, June 19, 2012

Prometheus – de Ridley Scott (o la llegada al cine del concepto de Elige Tu propio Argumento)


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Uno de los guionistas de Prometheus (promocionada producción, precuela precedida por propagandas pretenciosas) es Damon Lindelof, creador de Lost y de la infame manera de hacer televisión que he dado en llamar Elige Tu Propio Argumento.
Y, sí, el amigo Damon lo ha hecho de nuevo: no se ha tomado el trabajo de escribir un guión sino que tiró algunas puntas argumentales con la cuales el espectador, si tiene tiempo y ganas, decidirá qué carajo vio en la pantalla, qué carajo pasó en el film y qué carajo significaba todo. Y lo más probable es que no tenga ganas, que se quede con la espectacularidad visual, el clima de suspenso, la sangre gratuita, etc., sin gastar tiempo en hacer lo que de hecho a él, al amigo Damon, le pagaron para hacer, que es escribir un guión completo, con coherencia interna y con sentido.
Lost fue la primera serie de televisión escrita por el público. Ni el amigo Damon ni el otro amigo, J. J. Abrahams (quien al menos tiene el mérito de haber pergeñado tres películas pasables como Star Trek, Mission: Imposible 3 y Super 8) sabían a dónde iban con el argumento. Nos mintieron durante seis años diciendo que todo estaba ahí desde el principio pero la cruel verdad (innegable para cualquiera que haya dedicado una hora de su vida cada semana a ver la serie y que haya sufrido con esa última temporada infumable y que tenga dos dedos de frente y que sepa lo que es armar, levantar, arquitectónicamente hablando, un argumento) es que no tenían ni puta idea de qué iba a pasar al final, de a dónde se dirigía la historia, y, cuando tuvieron una base lo suficientemente amplia de seguidores que se expresaran vía internet, se dedicaron a sacar los giros argumentales de los comentarios de fans, a veces por imitación pero sobre todo por reacción contraria, por negarse a complacer lo que la mayoría pedía o negarse a hacer realidad lo que la mayoría pensaba que iba a suceder.
Así es: vos, joven terrícola que hiciste un comentario en los foros de Lost, vos escribiste la serie, ni Lindelof ni Abrahams, quienes se dedicaron a contrariarte sólo para que digas “¡Cómo me cagaron! Yo pensé que iban a arrancar para acá y arrancaron para cualquier otro lado, ¡Qué capos!”.
Y ahora Lindelof lo ha hecho de nuevo.
En Prometheus nada tiene más sentido que el que vos decidas darle. Así de simple.
¿Eso es bueno? ¿Es malo? ¿Acaso no es así el mundo?
Sí, amigo, el mundo es exactamente así, no tiene más sentido que el que decidas darle. Pero la diferencia es que nadie cobra un sueldo para escribir el mundo y por eso, en lugar de sentirnos estafados y pedir que nos devuelvan la plata de la entrada, simplemente nos jodemos.
No voy a perder mucho tiempo en hacer el racconto de la película pero: el inicio puede significar cualquier cosa (una misión, un sacrificio, un castigo); las transformaciones en monstruos y/o la locura de los tripulantes no guardan ninguna coherencia discernible y por eso la supuesta relación con Alien se siente forzada y poco creíble; el cómo y el por qué que se buscan pueden ser cualquier cosa, etc. La película es una mezcla rara entre Alien y ese somnífero, también ultrapretencioso, que es Misión a Marte de Brian de Palma.
La cuestión está en la expresión “cualquier cosa” aplicada al significado.
Un buen texto, un buen poema, una buena canción, tiene que significar por lo menos una cosa. Un texto excelente, un poema sublime, una canción que asciende a himno y se proyecta a través de las generaciones, por lo general es polisignificante, es decir, significa no una sino varias cosas al mismo tiempo. Pero cuando una obra de arte (o de entretenimiento, en este caso) significa cualquier cosa, estamos frente a un eufemismo, es lo mismo que decir que no significa nada, no hay centro firme, no hay una idea directriz, la obra es fofa, chirle, se colapsa sobre sí misma, cae por su propio peso como un domo de gelatina. Eso es lo que le pasó a Lost (al final, cuando ya habían mostrado la hilacha, aclaro) y eso es lo que le pasa a Prometheus. Salís del cine con la sensación de haber sido engañado, de que fuiste a ver una película y te tiraron por la cabeza un libro de Elige Tu Propia Aventura al que le faltan hojas.


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Sunday, January 01, 2012

¿Por qué existe el gore?


La noche del sábado fue la primera vez en la vida, a mis 33 años, que una película me hace vomitar de asco. Se trataba de 30 dias de noche: Días oscuros, una secuela. La primera parte me gustó, por varias razones. No suelo mirar películas de terror (o de horror o lo que sea), prefiero las tramas imaginativas a las vísceras de plástico o vísceras de animal metidas dentro de un maniquí, pero miré 30 días de noche porque es raro que deje pasar una película basada en un comic, aunque me haya comido chascos gigantescos como La Liga Extraordinaria, Elektra o Blade Trinity (podría hacer un Top Five de malas adaptaciones de historietas, pero ¿para qué darle más de comer a quienes dicen que los comics son puras boludeces sin sentido?). 30 días de noche, la original, tiene varias cosas rescatables: la ambientación, una marcada sensación de peligro (como todos los personajes empiezan de cero y es una película coral nadie está seguro, no sabés quién puede morir y quién se salva hasta el final), y sobre todo la forma en que presentan a los vampiros, no tanto como humanos un poco diferentes, afectados y decadentes a la Ann Rice, como aristócratas soberbios o como seres superiores que ven a los humanos como ganado, sino que en 30 días de noche los vampiros son animales violentos que se alimentan de personas y no atienden a razones, punto; y me parece que es una buena forma de presentarlos, me parece que si de verdad existieran los vampiros serían así.
Pero se sabe que las secuelas suelen ir a más en todo sin que eso tenga a veces el menor sentido y, por ejemplo, en 30 días de noche: Días oscuros, hay más víctimas, más gente (porque está ambientada en una gran ciudad y no en un pueblito de Alaska como la primera), más vampiros, más malos (porque no sólo hay que cuidarse de los vampiros sino de humanos que los sirven y hacen cualquier cosa para conseguir ser inmortales), más sangre y más guarradas en general. Y lo peor es que la buena caracterización de los vampiros se va al carajo porque tienen una reina que piensa, planea, es inteligente y calculadora, algo así como una abeja reina pero de los vampiros. O sea que, como suele pasar demasiado seguido, la segunda parte se regodea en tirar abajo uno a uno todos los aciertos de la primera.
Pero vamos al vómito.
Como les decía, en esta secuela los vampiros tienen esbirros humanos que quieren ser vampirizados a fin de vivir para siempre. Uno de ellos es un agente del FBI con cáncer terminal, o al menos eso es lo que se da a entender en lo que vi de la película. La reina vampiro le pone una prueba a este buen hombre, para averiguar qué tanto desea ser un vampiro, y héte aquí que le ordena morder y desangrar a una prisionera (porque en este secuela los vampiros, que en la original eran animales irracionales que cazaban en manada y arrasaban con todo, toman prisioneros). En ese instante, cuando el agente del FBI se apresta a morder, mi mujer dice “¿Pero cómo, sin dientes?”, que era lo mismo que estaba pensando yo. O sea, los vampiros tienen los colmillos desarrollados que les permiten dejar esas dos vistosas marcas en el cuello o las muñecas de sus víctimas (nunca vi un vampiro mordiendo la arteria femoral, que es la más gruesa del cuerpo... aunque tal vez en alguna parodia triple-X lo hayan hecho y no me enteré), y el agente del FBI era un humano sin esas mejoras degustativas. Abreviando: el tipo mordió el cuello de la víctima con sus dientes humanos y tuvo que tirar de la piel del cuello unos diez centímetros hasta romper la susodicha piel. Y después tuvo que morder la carne varias veces hasta llegar a la arteria, y morder y tironear de la arteria para hacer salir la sangre.
(Mientras escribo esto tengo el cuello rígido y ladeado por la impresión, para que sepan que esa imagen de hombre recio y curtido es sólo una pose.)
Incluso en esa secuencia la sangre es de otro tenor, es oscura y espesa, cuando las veces en las que había aparecido sangre anteriormente en la película parecía vino diluido con soda, no tenía ni un color ni una consistencia verosímil.
Como sea, yo venía de cenar bien, tomar una cervecita, comer helado, y en esa parte se me revolvió el estómago. Me paré, di una vuelta por la cocina, y cuando volví a sentarme había otra escena asquerosa (le tiraban sangre en la boca a un vampiro muerto momificado que de a poco iba regenerando su carne, que pasaba de marrón a roja, y cobraba vida de nuevo... o eso me pareció en el segundo en que lo vi), y ahí ya no aguanté más y caminé al baño, con un aplomo digno de un dandy inglés, para vaciar el contenido de mi tracto digestivo.
Y esa experiencia me hizo dar cuenta de que no sólo me produce asco ese tipo de películas sino el gore en general, también en historietas. Y el gore está de moda, si tenemos en cuenta las varias publicaciones que tienen en el mercado en este momento algunas editoriales independientes norteamericanas: Image, Dark Horse, pero sobre todo Avatar, que es como la B de las editoriales yankis, donde tipos más o menos conocidos (o autorazos por derecho propio) llevan las ideas que les rechazan en otras editoriales por zarpadas.
Creo que la peor serie de gore en Avatar (y la peor en general) es Crossed, empezada por Garth Ennis en una miniserie y seguida por David Lapham en otras más. No se trata de zombies (que son la vedette del gore) sino de seres humanos que han perdido todas las inhibiciones y las taras morales por algún tipo de infección que les deja una cruz en la cara excavada en carne viva, y se dedican a hacer guarradas a diestra y siniestra sin el menor sentido, sin nada que lo justifique salvo la excusa argumental y las ganas de escribir y dibujas asquerosidad tras asquerosidad, vejación tras vejación, matando, desmembrando, torturando y violando a todo ser humano no infectado que se les cruce, y no en etapas sino todo al mismo tiempo.
Pasa más o menos lo mismo que con 30 días de noche: Días oscuros; lo más jodido no es en sí lo que pasa sino el hecho de que lo hagan personas, seres humanos, no vampiros ni zombies; supongo que de ahí viene la mayor sensibilidad y el mayor asco. O será de que de nuevo tengo a mi lado femenino y/o a mi niño interior demasiado activos.
Tenía pensado poner al menos las portadas para ilustrar el post, o alguna página del comic, pero no le veo la gracia. Si quieren ver de qué se trata, busquen imágenes en Google o descarguen un comic de Filestube y listo (o de Taringa, que también deben estar las miniseries recopiladas).
Lo que quiero decir es que a este género no le veo el sentido. Y eso que yo estoy de acuerdo con que todo tiene que tener su lugar en la expresión artística, que no hay componente de la realidad o idea o concepto o posibilidad que deba ser dejada de lado por ningún prurito del autor porque eso sería autocensura o ceder al qué dirán. Pero con el gore se me queman los papeles porque no creo que merezca siquiera la categoría de arte. Y acá entra lo que cada uno de nosotros opina qué es y qué debe ser el arte.
Según mi opinión (y tengo varias, así que no me puedo ni imaginar la cantidad de opiniones al respecto que habrán en total, en todo el mundo y a lo largo de la historia), el arte se trata principalmente de belleza, armonía, novedad y precisión. Pero con eso me estoy yendo de tema y me explayaré después. Creo que lo principal en el arte es producir algo nuevo (o todo lo nuevo que sea posible), que apunte a provocar una respuesta estética (generalmente de belleza y armonía, en literatura, por ejemplo, la belleza de la prosa y la armonía de la trama como un todo coherente y direccionado) y que lleve consigo un mensaje (el mejor de todos, para mí, el más válido, no es el mensaje en forma de respuesta sino en forma de pregunta). Pero el gore es vacío, no transmite nada más que el asco. Si ese asco llevara a una pregunta o a un reflexión, sería un vehículo a tener en cuenta, pero el asco por el asco mismo me parece que no lo es. Una serie que utiliza algo de gore pero que genera un mensaje es The walking dead, pero el gore, la plaga zombie, es ahí el marco, no lo principal, y los temas que se tratan hacen de esa serie un drama humano, no un comic de muertos vivos y nada más.
Si no hay nada de eso en una obra, y bajando al mínimo posible las expectativas, el arte debería provocar por lo menos entusiasmo, exclamar “¡qué buen tema!” o “¡qué buena película!”, por más que sea entretenimiento, que sea un tema pop descerebrado o un mega hit pochoclero. Pero no me imagino a nadie (a nadie que esté medianamente bien de la cabeza) pensando “¡qué copado lo que está pasando!”, “¡qué buen comic!”, “¡qué buena idea se le ocurrió a este tipo!” mientras ve una escena donde aparece una orgía de violaciones y descuartizamientos simultáneos dentro de una piscina llena de sangre (y ese sí es un ejemplo sacado de una escena de Crossed, y agradezcan que no digo de dónde o de quiénes sale la sangre).
La otra opción para justificarlo sería la katharsis. Esa ya es más peliaguda de refutar. Según Aristóteles, la katharsis es el acto de purificar mediante el arte, en su caso el teatro, los humores malignos, donde el público pueda sentir compasión y miedo, ver realizadas sus bajas pasiones y ver cómo esos desenfrenos llevan a un merecido castigo sin sufrir ese castigo. Pero tampoco cuela porque, vuelvo a decir, sólo un enfermo mental puede tener pasiones con ese grado de bajeza o violencia. Todos hemos fantaseado con hacer alguna barbaridad, pero con cierto límite, dentro de ciertos parámetros, y nunca gratuitamente, creo. Me parece que las personas normales fantaseamos sobre venganzas por afrentas que nos han proferido o sobre hacer desaparecer a algún rival sentimental, pero no creo que nadie pretenda mutilar o torturar a una persona que no le haya hecho nada, que no represente un peligro o un obstáculo; dudo que un ser humano más o menos normal quiera hacerle daño de forma gratuita a otro, menos aún por placer.
Buscando un poco en internet me enteré de que también existe el ultra-gore, que es un género cultivado por algunos enfermos escandinavos, y solamente de leer los argumentos y ver algunas fotos se me revolvió un poco el estómago de nuevo; pero me sirvió para dimensionar el prefijo “ultra” como “lo que se pasa de X”, “lo que es tan X que se termina yendo al carajo” (o sea que un político ultra-K es “uno que se pasa de K” o “uno que de tan K se termina yendo al carajo”, lo que para nuestros padres era ser “más papista que el Papa”, si me perdonan la mayúscula).
Ahora, es super cabeza que un género sea ultra-algo, como si existieran las comedias ultra-románticas o las películas de ultra-acción, aunque creo que las de Michael Bay y algunas de Bollywood son precisamente eso. Quedaría bien en los posters: “Transformers 4: Una película que se pasa de acción... Una película que de tanta acción se termina yendo al carajo”. Puede andar.


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